主演：小松未可子丰崎爱生石川由依川原庆久入野自由七濑彩夏田所梓和久井优子安武人浅野真弓大桥贤一郎猪股慧士林鼓子福岛晴菜天麻优希宫崎游铃木崚汰山本和臣水内清光后藤邑子土门仁福山润金子诚高坂笃志大塚芳忠
类型：喜剧动画日韩动漫导演：石立太一 状态：已完结 年份：2025 地区：日本 语言：日语 豆瓣：0.0分热度：494 ℃ 时间：2025-09-28 21:11:04
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作者：阿崽（口述） & emf
“他们（如今90%的导演）拍的电影让人觉得好像看到了很多东西，但实际上看不到任何东西。 ”——达妮埃尔·于伊耶和让–马里·斯特劳布，关于《阶级关系》的访谈
先不论那种《咒术回战2》式竭尽全力压榨媒介试图达到“无限”（于是注定只能成为一种噱头，其实跟“找找看”图画书和除了彩蛋什么都不剩的漫威电影没有两样，当然违反媒介的线性本质对于动画来说也许反而能生成更高的讨论热度）的错误价值取向，也不论铺天盖地的便利店配色；这部动画选择在第五集就出现的东西，只能说呈现为了几乎邪恶、歇斯底里的狂欢（因其“萌”而更加有毒），并且只能表明一种近乎精神分裂式的本体论：
《小城》不断地在告诉我们：
在《小城》中，任何事物都可能有眼睛，哪怕是最小的钥匙挂坠也是如此。“槌子蛇”难道不就是一种有了眼睛的物吗？但它总是大张旗鼓地强调眼睛。《日常》总是有一种关于物的本性的坚定（这里甚至有一种文化属性），重要的是事物“出现”；我们只需要看第一集里砸到祐子头上的东西——木芥子（こけし，起源于江户时代的手工艺品）、红牛（赤べこ，意义不明的乡土玩具）、鲑鱼（就是生鲑鱼）——还有后面常常出现的佛像，其中不乏“有眼睛”的事物，但这些眼睛有一种物的庄严（甚至是因其不被强调而如此），并不是吸引感情的拟人……虽然，《小城》中这些事物与其说是真正的拟人，不如说是作品强迫症式地将触手伸向它们，一番改装之后它们——因其眼睛的存在——便成为了一种萌点的收发器，我们可以想象之后会售卖这些东西的周边。
整个田边家和双塔具有一种定格动画的材质，这清晰地把它与其它事物隔开。通过这样一个裂痕，这样一个精神分裂的中心，这部作品早在第五集就迫不及待地孔雀开屏，展示着它那种（在之前已然显露的）怪异的执迷。
有友邻将《小城》的这些方面解读为对历史之昏暗（京阿尼大火，9/11）的一种反应。不论这是否牵强——但它确实体现着一些“病症”——我们也许至少还应该想到《幸运星》的存在，因为尽管画风天真，实际上后者也可以说是发生在一个出于某种原因昏暗的世界里，发生在沙漠般的图景中。但《幸运星》的人物们仍然有一种奇怪的坚定，不是在妥协得来的一隅之地而是在“一间自己的房间”（我们想到那个关着门的卡拉OK包间），那给予着我们对于解放的信心，而这也是我们想在《小城》里看到的。
存一下《CITY》官方X发布的石立导演Q&A。
（不是全部都翻了，只挑了一些自己感兴趣的。）
地址：https://x.com/city_anime_infon
Q：制作时是怎样实现人物轮廓线的粗细变化的？
A：最主要的想法是将原作漫画的线条的感觉还原出来。还有就是，由漫画改编的动画容易产生“线条的标准化”的问题，为了解决这一点，在正式开始制作前，我们对线条的画法进行了各种试验。在制作动画的过程中，赋予线条一定的变化并控制这种变化是相当困难的，为了实现这一点，负责人设的德山和美术监督山崎反复试验了不同粗细的线条的效果，既考虑了全系列共通的设定，也通过让作画人员使用不同的画材（铅笔、较粗的钢笔等等）来对线条的变化进行控制。
nnQ：《CITY》动画化时面临的最大的课题是什么？
A：要做成与《日常》不同的作品。我觉得《日常》的时间线比《CITY》更清晰，故事发生的顺序也更好懂，只是其中的一些小章节造成了混乱的效果。但是《CITY》中并没有这种小章节，只是按顺序将不同的故事罗列了出来，故事之间并不连贯，所以可以说是故事和故事的不断积累创造出了混乱。正如标题所展示的，“CITY”这条街道本身就是故事的主人公，我们想让观众在看着这幅街道的点彩画（*）的同时，从更广阔的层面上感受这条街道（作品）的魅力。
* 石立导演将《CITY》的故事的构成形式描述为点彩画，我非常喜欢这个形容。点彩画在靠近看时只能看到一个个小圆点组成的马赛克一样的图案，稍微离远一点才能看到所绘之物的轮廓、形状、色彩。不仅如此，近看时看到的颜色和远看时看到的颜色也有不同，这是因为两个相邻的颜色在视网膜上被混合成了新的颜色。点彩画的魅力正在于此，随着观看者的位置的变化，事物的分解、离散、聚合在眼前不断地交替发生，整体和部分的关系随时都在改变，相邻事物之间的关系随着观察视点的变化而变化。这也像是《CITY》给我的感觉，只看着一个故事也很有趣，但在看过其他故事之后，有趣的故事会变得有那么一点哀伤，而本来很悲伤的离别，在其他故事的插科打诨之下，似乎又变得充满了希望。
nnQ：为什么将片尾曲做成毛毡定格动画的形式？
A：片尾曲做成毛绒玩具的定格动画是为了表明这部作品的登场人物并不仅仅是人类，在“CITY”这条街道上生活的所有事物都是故事的主人公。另外，这些角色基本都是以一个从身体斜后方看过去的角度出场的，这是为了给观众留下一些不舍、落寞的感觉。
nnQ：第5话后半像监控画面一样的演出是如何实现的？
A：在制作参考资料时，我们将同时发生的事件按照时间线进行了排列。我把资料交给负责演出的工作人员（*太田稔）时，曾说不需要把所有事件都做出来，但分镜完成之后发现所有事件都按照时间线顺序表现了出来，我吓了一跳。不过我觉得这样做很符合本作品“让人看得开心”的概念，所以就直接采用了。
nnQ：每一集都是由几个不同的故事构成的合集（*omnibus），每一集包含的故事数量不同，长短也不一样，请问在构成和演出上有什么特别注意的地方吗？
A：主要是想在“从夏天开始到夏天结束”这条时间线上，尽量快速地将主要角色以故事的形式介绍给大家，尽量在第5话塔的故事之前，让大部分角色都出场。本作品最有魅力的地方就是角色之间的关系，所以我想尽快将这些人际关系都展现出来。怎样让观众意识到“街道”的存在也很重要，街道虽然看上去都一样，但其实有很多不同，既有复杂地交织在一起的小路，也有主干道，角色也好故事构成也好，都参与形成了“街道”的这一结构。
nnQ：哪一集最有挑战性？
A：我觉得是第13话的音乐剧，从音乐到段子，能不能成功取决于我、新井老师、音乐家之间的交流是否顺利。在制作第1话之前我们就已经开始挑战音乐剧的制作了，可以说从本作品正式启动的时候开始，我就一直以最终回的音乐剧为目标，在制作上花了相当多的时间。
nnQ：由于在配音时画面就已经完成了，所以某种程度上工作人员在作画时就已经预见到了声优们会怎么演，但在实际听到配音后，导演有没有感到意外的时候呢？
A：相当多，新仓（丰崎爱生）自然不用说，子安（武人）先生饰演的魔术师摔了个屁股蹲儿的时候发出的“Bu”的声音，安达太良博士在赛跑时说的“从此刻起，新的故事开始了”等等，全都是他的即兴发挥，非常适合，完全就是现代的威廉·退尔。丰崎一人分饰五个恶魔也很厉害，一次就录完了。还有鬼鱼糕老师、立涌、茉莉、悦理，只能说真的太谢谢大家了！
nnQ：要把原作那么多的故事浓缩成13集的份量，想必有很多内容不得不删掉，请问删减的标准是什么？
A：基本上要保证所有角色都有出场，还有就是为了将南云在第1话说的“既然要做，那就要做最有趣的事”和第13话说的“其实每天都挺有趣的”连接起来，尽量让故事富于变化。茉莉和悦理的故事是唯一一个有完整的起承转合的故事，所以基本上每一话都会讲到一些，这样就能保持连贯性。另外在最初讨论剧本时，大概邀请了10几位参加者投票选出自己喜欢的故事，人气较低的故事就作为候补。总之重点是要让观众回过头来看时能从整体上感受到“街道”。
nnQ：《CITY》中负责分镜和演出的人员既有老手也有新手，观众在观看时总是满头问号，请问导演个人有没有觉得“这想法也太乱来了”的时候呢？
A：回过头想想，本作品最厉害的演出家果然还是原作者吧。每一次讨论剧本时，新井老师都在场，他的sense实在是太好了。田边家的款待、双塔的由来都是老师自己想出来的，实在是太有意思了，我们动画人最重要的职责就是把老师的sense用动态画面表现出来。还有就是我们公司的年轻演出家宫城（良）负责的第9集“第4届小城赛跑”中，那个到达终点前的长镜头是他花了大力气做出来的，非常值得一看。
nnQ：在将新井world动画化时，最重要的是什么？
A：在表现新井world时，我觉得最重要的是让人觉得“开心”“可爱”，还有就是原作中迸发的智慧。我自己也是新井老师的粉丝，所以我想把我感受到的魅力直接传达给观众。我个人觉得最困难的地方在于节奏。
8.9/10n·尽管与日常同作者、同制作公司，但本作却是朝向与日常完全不同的方向疾驰。日常所做的，是将叙事彻底切碎，塑造一种反传统、后现代的观影体验，但如果带着跟日常一样的期待来看这部CITY，或许会感到落差。尽管本作不乏与日常相似的夸张表现手法，但整体上看，CITY的叙事却是完完全全传统的，部分笑点的铺垫简直如楚原《七十二家房客》时期的香港喜剧一般，娓娓道来，且与剧情、角色绑定紧密，比不上许冠文喜剧那般直接、突然，更别提同样后现代的周星驰了。n·可尽管叙事传统，但CITY真正的目的，却并不是将自己局限于“贩卖”其中的任何一位角色或一段情节，而是跟雅克塔蒂的《玩乐时间》一样，向观众兜售一整个趣味的舞台（或曰箱庭）。因此，它注定不能像日常那样彻底放飞自我，毕竟，这个精巧的舞台不能被毁坏（除了最后一刻所有人被“炸”飞上天）。n·第五集无疑是整部作品的灵魂/题眼，当然我说的不是分屏，分屏是一个有趣但并没有那么精妙的手法，京阿尼毕竟还是要在考虑观众信息接收能力上下功夫的。本集最伟大的两个时刻，是南云打开门后，涌动的泡泡最终汇聚成一整张会动的漫画时，以及ed如画卷般展开的小城的历史。这两处，都将观众从对具体角色、情节的特写上向后拉，拉到一个宏观的、俯视的、移轴镜头般的视角上，欣赏这一切。这，就是创作者在提醒观众的，欣赏这部作品最合适的视角，欣赏这个将一切温柔包裹其中的美妙的舞台。n·当然，抛开一切对手法的理性赞赏，茉莉和悦理也会是我未来也难以忘记的一对角色了。（某方面看，她们俩，其实，不就是这座小城的人格化化身嘛）
《city》并非大众期待的《日常》精神续作，它没有后者那种带速度线、张力十足的夸张动作表演，没有密集的幽默笑点，也没有看似粗犷却精致的人设。作为同作者、同公司、同题材的动画，它本可借鉴过往成功经验，复刻一部让粉丝满意的“诚意之作”，最终却成了夏季六十多部番里的平庸一员——若不是身上的亮眼标签，甚至不会被人注意。而从第一集到最后一集，这类评价始终存在，仿佛坐实了它的“平庸”——但事实果真如此吗？
有记者曾问诺兰，是否有哪部作品让他反复重看。诺兰回答，自己本不喜欢歌舞片，却把《爱乐之城》看了三遍：“我想再看一遍，确认它是否如我想象中那么好，结果证明确实如此。”在《city》完结之际，我也像诺兰一样重看了一遍，得出的答案却是：它比我之前想象的还要好。
接下来，我想从画面、声音、剪辑、故事四个维度，讲讲《city》为何是一部好作品。作为“动起来的画”，我们先从美术风格说起。本作核心主创、监督石立太一采用了极为平面化的美术风格，这种风格足够“新颖”，与京都动画以往的厚涂风格形成了完全相反的艺术效果。
比如《凉宫春日的忧郁》，其人物与背景的美术风格差异明显：人物勾线清晰明确，与背景完全区分开，且人物阴影的特定区域十分突出；而背景的阴影色调更柔和，多通过颜色深浅渐变呈现，房间与物体的界限也更模糊。这种设计的好处是能突出角色在画面中的存在感，且京都动画的作品一直沿用这种风格。
平面化与厚涂在动画表现上各有优势，且平涂对原画师的能力要求更高——流畅的线条是这种美术风格的根基。这让人联想到吉卜力二老后期的动画探索方向，而《city》的不少视听语言，正是吸收了高田勋《我的邻居山田君》的特点，这一点后续会详细说明。
额外提一句，东京都市圈内的动画公司大多只专注单一作品，原因在于制作人员流动大，作品风格完全取决于监督个人，导致同公司前后两部作品风格截然不同。而京都动画因人员构成稳定，制作的动画风格一脉相承，但弊端也随之而来：部分创作欲强烈的作者不愿留在京都，反复复刻过往的成功经验（不过需要说明，这些出走人员后续创作的作品，并不比他们在京都时制作的动画更出色）。
但石立监督在京都原有的制作规范下做出了改变，比如前面提到的美术风格革新。写实化的背景需要严谨的透视，才能突出画面纵深、增加立体视角体验。在《city》中，人物与背景采用了相同的画法，都是线条分明的结构；人物阴影也不再是以往的硬朗风格，与背景阴影的色差完全一致，上色同样采用平涂，与京都以往的厚涂风格彻底相反。
由于人物与背景风格统一，为了区分二者，制作团队特意加深了人物边缘的黑线——这种手法与同期的《吊带袜天使》相同，尤其是后者作为续作，与第一部相比也加粗了人物边缘线，可见优秀创作者的思路往往相通。不过《city》的风格更具日本漫画感，人物阴影用虚线表示，“漫画感”极强；同时，前文提到的写实背景本应带来的景深也并未体现，但也正因没有景深，京都系监督常用的“靠强烈焦段变化表现人物情感”的手法消失了，换句话说，作品少了“电影感”。
但石立监督大胆放弃了这一沿用多年的“绝活”，让《city》成为了“唯有动画这一形式才能呈现”的作品。这种极致还原漫画风格的做法，在第五集彻底爆发，也证明了动画这一表现形式的独特魅力。
在第五集播出之后石立监督也向我们讲述了当时的制作思路：“随着剧本陆续完成，正片制作也同步启动。由于我们本就讲究对于画面视觉效果的追求，整个团队团结一心多次试错反复推敲，而其中与当初变化最大的当属背景。原本美术监督想尽方法以波普风格作为核心，但结果还是落实到——“与动画前景图层难以区分的背景风格”——这一直球表达之上。
制作正片时（让背景线条与）前景图层的线条粗细之间的协调耗费了大量精力，但最终效果感觉非常良好。”
至此在画面上，石立监督以大道至简的方式向世界宣告了新时代的京都依旧处于业界前列。
相较于美术风格的创新，《city》在声优选用上更偏向“稳妥”——以老将为主。除了续作的因素外，京都动画以往常在新作中启用新人担任主役，且新人声优的演绎风格，基本会贴合其前期最适配的角色类型。这次选择老将，或许是监督为作品“上保险”：若新风格不被接受，还能靠声优的演技转移观众注意力。但即便如此，声优表现仍有惊喜，那就是石川由衣的突破。此前京都动画在《紫罗兰永恒花园》中选用石川由衣，正是看中她对“三笠”一角的精彩演绎；而这次在《city》中，她彻底打破了以往的角色局限，弥补了“作为京都主役声优却没有新角色方向”的遗憾。她为角色泉和子配的“爽朗笑声”充满力量，仿佛要把过去因角色特性而未能释放的情感全部宣泄出来。
oOP与ED则传递出“与亲友共度过去、现在、未来”的情感，二者都紧扣《city》的创作理念——“虽寂寥却温暖，认真度过每一天的珍贵之处”。配乐的选择则更显“剑走偏锋”：作品本身带有强烈的波普艺术风格，本应搭配与之契合的流行音乐，但音乐组合“Piranians”却走了相反路线。
这支组合曾表示“自己在动画业界只是新人，完全不懂行，有问题尽管提”，却在制作中“背刺”了对他们完全信任、放权的石立监督——他们创作的配乐风格内敛雅致，以至于石立监督直到第一集混音时仍十分担忧：这种风格真的能和波普画风契合吗？但实际上，这种反套路的配乐选择并非单纯的“错位”，而是通过旋律为观众建立起一层“情感隔离带”：当正片画面中，波普艺术的浓烈色彩与快节奏画面冲击视觉时，轻柔的鼓点、温暖的钢琴和声，再配上悠扬的口风琴声，能瞬间将观众从强烈的视觉刺激中拉回，重新沉浸到角色间细腻的情感联结中。在这种音色的加持下，《city》不仅被赋予了知性与品格，还弥补了平涂风格在纵深感上的不足，甚至实现了超越现实画面的纵深效果，形成了堪称“伟大”的化学反应。
当谢尔盖·爱森斯坦将蒙太奇从一种手法引申到戏剧，再实践于电影后，电影才真正拥有了感染人心的魔力。而剪辑作为对剧本的二次演绎，是影片中最重要、也最能体现导演天赋的环节。石立太一从出道至今，一直饱受争议——不少人认为，他本是出色的原画师，却非要当一名平庸的导演，“太子”这一称呼，也从最初的满心期待，渐渐多了几分嘲讽。但我想说，“太子”并非平庸之辈。所谓成功的剪辑，无非是塑造叙事逻辑、引导观众情绪、提升内容质感，而石立监督完美完成了这三项任务。动画开头，从神鸟神话讲到小城人物，先是无厘头的旁白，再是画面中十余种色彩的快速变化，最后通过一段炫技般的长镜头，让本作所有角色集体亮相——整个过程仅用了一分钟。
随后，画风一转，舒缓美好的小镇生活OP登场。不同于以往观众对“神作OP”的期待——靠风格化、高张数堆积的炸裂画面展现作品风格，《city》的OP显得有些“不合时宜”。但结合后续七个片段的故事就能明白，这是监督为调节观众情绪特意设计的：动画中的高潮往往只有15分钟，而二十分钟内包含七个片段，意味着观众要反复经历七次“起承转合”，大脑需不断处理动态影像、复杂剧情与丰富角色，很容易产生疲惫感。因此，监督特意降低OP/ED的“精彩程度”，用舒缓风格为观众提供放松间隔，足见其细心与在动画业界深耕多年的经验。
回到具体情节，还能发现石立监督偏爱的剪辑方式——“动作顺接”。这虽是剪辑基础，但与真人电影、漫画相比仍有差异：真人电影受限于空间，需要在有限范围内摆放多台摄像机；漫画则喜欢用一个个分镜框，将角色“困”在画面中。而动画没有这些限制，比如某个“从俯视到仰视”的镜头：通过视角转化增加画面纵深，为后续“角色将物品投掷到另一个房间”的动作增强力度，既突出了角色的疼痛程度，又将其转化为笑果。这种分镜是动画独有的，也能看出，相较于那些擅长借鉴电影的“影迷监督”，石立太一的创作灵感，更多来自自身高超画技带来的“动画师视角”。
之中；
日本动画业界有两个重要流派：以宫崎骏为代表的“动画师”监督，他们从原画师起步，最终成为监督，擅长挖掘手绘动画的独特魅力，致力于探索实拍无法触及的领域；另一派是以高田勋为代表的“电影”监督，他们来自不同岗位（比如高田勋作为动画监督，甚至不会画画），却拥有类似电影“科班”的知识储备，专注于探索动画与实拍的结合。前文提到，这两位大师后期的创作风格逐渐分歧，而《city》在画面风格与幻想桥段上借鉴了《我的邻居山田君》，甚至呈现出那种“无线条边境的留白艺术”；但同时，石立监督本身是“动画师”出身，因此在具体演出上，《city》又兼具了“动画师监督”的特点。
在动画社区里，争论一部作品“好不好”，本质上往往是“我喜不喜欢”的自说自话——有人纠结角色人设，有人执着剧情逻辑，最终都落脚到“这个剧本没戳中我”或“刚好符合我的偏好”。所以，做一部“好评作品”其实很简单：避开敏感内容、降智反转等容易引发普遍不满的“雷点”，用套路化的日常互动、角色关系填充剧情，就像给观众递上一杯温白开水，安全无刺激，自然很难招来差评。
但做一部“好作品”，难就难在它偏要跳出这层“安全区”。它不会为了讨好所有人，就磨平故事的棱角——可能让主角带着明显的性格缺陷，比如《凉宫春日的忧郁》里团长的“蛮横”，不完美却鲜活；也可能在温情里藏着扎人的现实，像《东京教父》用流浪汉的视角讲圣诞故事，没有刻意美化底层生活，却让善意更有重量。 但做一部“好作品”，难就难在它偏要跳出这层“安全区”。它不会为了讨好所有人而磨平故事的棱角——可能让主角带着明显的性格缺陷，比如《凉宫春日的忧郁》里团长的“蛮横”，不完美却鲜活；也可能在温情中藏着现实的“刺痛感”，像《东京教父》用流浪汉的视角讲述圣诞故事，没有刻意美化底层生活，却让善意更有分量。更难的是，“好作品”要在“好看”之外，留下能让人反复琢磨的余味。不是看完就忘的爽感，而是某个镜头、某句台词，会在几天后突然击中你——比如《你的名字。》里跨越时空的寻人，表面是奇幻爱情，内核却是对“错过”与“联结”的细腻表达，让不同观众都能从中看到自己的影子。这种能穿透个人偏好、触达共通情感的力量，才是好作品真正的门槛。那么，《city》做到了吗？
正如前文所说，《city》能兼具两种流派的特点，并非石立监督创造了新的视听语言，而是他与本作第二核心、脚本负责人新井老师充分交流后，找到的最佳平衡。与《日常》相比，《city》的节奏确实慢了很多，笑点也减少了对文化的恶搞；取而代之的是，通过塑造更夸张的角色、设计更脱线的行为，在“舞台大乱斗”式的日常中，一点点丰满角色性格，再借助“塔”“赛跑比赛”等大事件，将所有角色串联起来，最终汇聚成强烈的“爽点”。
要理解两部作品的差异，就必须了解新井老师创作《city》漫画的动机。新井老师曾坦言：“当时，我作为漫画家的生活疲惫不堪，结束《日常》连载后，还一直在纠结是否要转型做插画家或小说家。但我心里对漫画的热爱还没熄灭，心想反正都这样了，不如彻底燃烧殆尽，于是开始了《city》的周刊连载。这是新井老师在创作力低谷、陷入迷茫时，决心“放手一搏”的复出之作。而《city》的故事也如作者的决心一般，跳出了《日常》的“校园箱庭世界”——突破校园局限，用更大的舞台讲述日常故事。这种想法，其实与《日常》下半部分的ED一脉相承：ED中，学生走出校园，日常角色们伴着背景里的校歌，在小镇中行走、交谈。
这种突破具有重要意义：在2010年代之前，几乎所有校园题材动画都将“校园”与外界隔离，校园是一个完全封闭的环境，创作者可以自由搭配各种爱好，让所有日本观众向往的事件，都在这个绝对安全的空间里发生。而京都动画的创作者眼光独到，在日本就业冰河期过后、就业市场逐渐回暖时，敏锐地捕捉到文艺作品的变化：纯日常作品的背景开始“走出校园”这个“安全温暖的房间”，大家纷纷跳出“乌托邦”，用探索的视角寻找更多可能性。
比如某部作品的主角被设定为逃学女高中生，主角团彻底摒弃校园，熙熙攘攘的东京成为他们的舞台。这不仅反映出观众对校园作品的厌倦，更体现出创作者希望“城市”能像过去的校园一样，为人们提供生活的能量。京都动画与新井老师，始终站在时代前沿，作为创作者，他们从未停下思考的脚步——尤其是石立太一带领这支由新生代组成的京都团队打造《city》时，这份坚持更显珍贵。
曾几何时，京都动画与新井老师都深陷人生低谷，是彼此的扶持让他们走出了困境，而串联起这份羁绊的，正是《city》。如今，京都动画已恢复“一年双开”的制作节奏，新井老师也重启了《日常》与《city》的连载，属于他们的故事其实从未落幕。
人与人之间的联结，就像散落在夜空中、时隐时现的星辰——彼此独立、遥不可及，却在不知不觉中以“光”为桥，在某个不期而遇的时刻，便会像久别重逢的朋友一般，即便多年未见，也能知晓对方的一切。日常仍在延续，奇迹亦是如此——它像星辰一样始终闪耀，只是太过微小，容易被迷雾遮挡，直到某天被人偶然发现，才惊觉：原来惊喜就在那里。
先上图证明一下自己去了武汉的点映场
得知b站搞点映场之前，我几乎无法抑制住自己的期望值。因为从客观上来讲，距今时间最近的京都做的冒尖儿的片子甚至要追溯到18年的《利兹与青鸟》，如果只算TV的话，应该是16年的京吹2。作为一名对京都动画有偏爱的观众，还是特别希望在大事故之后能有一部提气的片子出现。而且这个题材与原作表现形式非常容易冲高，甚至夸张点说，这可能是近5-10年京都冲高分段最佳机会。结合PV 1-2与爆出staff阵容，感觉非常的稳。《日常》原作者新井圭一的同世界观作品，PV中的画风清新，“CITY上河图”细节爆炸，《日常》味道也很正，OP副歌也非常好听。又有评论区大佬看了可能是全球首映的先行版做背书，我几乎提前开了香槟，but。。。
在做对照评论之前，先说一下观众反应。全场人没坐满，3集当中，第一集场子很冷，到第二集开始才有相对积极的笑声反馈，第三集则更好一点。中途来来回回进出好几拨人，在最后排进出的观众甚至挡住了放映机一小半的光影，非常的抽象，有些影响观感。但因为正片部分细节满满、演出效果极强、好听的OP及出色的声音设计，对观众来说，能用电影院的设备观看这些已经是非常大的幸运和非常难得的机会了，也基于同样的原因我认为有必要写些什么记录一下。（PS：而且这还是在完全有版权的前提下，说一个有意思的事，在第一集打翻炒面的部分，有45秒左右因为版权问题全场看默剧，真的是惊到了全场观众，大家都在试图理解发生了什么，但其实那段的画面呈现的效果很好，可惜没有音效匹配画面再加上全场观众在走神理解状况，让一个包袱砸了有点可惜）
不对照《日常》，先说一些前三集我很喜欢的点。有几个现场观众反应很积极和我个人都很喜欢的小段，包括走马灯/扮鬼脸/藏宝图/天使与魔鬼，它们都在“预期违背”上做的很好，第二集末尾和第三集开头的包袱连着响，人物与情景假设逐渐立了起来。“天使与魔鬼”的部分甚至还有博士客串，有一种安心的熟悉感。好几处用来提升演出效果的强对比分镜头的插入起到了效果翻倍的结果。OP中即将进入副歌的画面是用干净的水滴引入小城风光同时开始呈现作品发生的主要场景及世界观，外加上好听的旋律是让人有些欲罢不能的感觉的，很想再听再看几遍。但下面的对照旨在说明为什么我预期《CITY》可能大概率不会成为像《日常》一样的高分TOP级作品，也说一下头3集中存在的一些遗憾
一、 OP ED对照
对于一部佳片甚至是神片来说，风格化或者高水准/高经费的OP ED几乎是标配。而对于《CITY》这种以无厘头搞笑作为卖点的作品来说，能更好表现作品风格的风格化OP ED影像可能是最优解，但当我看完OP画面之后心里就咯噔一下，副歌部分的画面是主角团三人背对着观众面向小镇居民和商业街牌匾跳舞，既看不出风格也看不太出多少拍案叫绝的炫技，总之就是。。有些平。。ED画面有些羊毛毡定格动画的感觉，吉祥物出场可可爱爱的。对照《日常》，可能《日常》的OP ED更大众化更好理解一些，OP采用了让人印象深刻的对称结构，镜头迅速拉近并让角色作出符合角色特质的行动。画面和OP歌词也在时刻提醒观众作品类型也方便观众入戏进而进入情景假设中。ED是舒缓的舞台剧风格，是常用的一种ED画面呈现方式，让观众感觉到像舞台剧一样夸张的戏已经落幕，暂告一段落的感觉。
二、 单集单元剧的编排结构
在《日常》第二集中，主角团3人组玩上楼梯的格力高游戏，麻衣用一句咒语取胜。在本集中段还有这句咒语的call back。而贯穿第三集的街道固定机位拍摄与模糊化处理，在时间和逻辑上是连续的，只是每个小段单元剧把它们打散分散在了单集的各处，单拎出来可能看起来有些电波意识流但连在一起就是一个很棒的喜剧结构，角色行动符合前面铺垫的性格，同时也引出并抖响了黑猫土下座这个包袱。这样以集为单位的喜剧结构在《CITY》前三集中并没有，段落之间孤立存在，这会使观众在一个意识流段落摸不到头脑后很难快速进入下一个情景假设，而call back或者逻辑连续的过场会让观众迅速抽离上一场景、格式化大脑，从而不影响后面的喜剧呈现。
三、 主角团及配角团相关段落的设计
《日常》中是主角3人组和博士+机器人的设置，而《CITY》则是主角3人组+回家部2人组+编辑部2人组的设置。主角团负责整大活逗观众笑是理所当然，而配角团更多的作用在于调节作品整体喜剧节奏、丰富世界观和主角团人物形象。但作为无厘头喜剧的配角团，起码不能太乏味。博士+机器人的有些活儿甚至比主角团还多，《日常》第三集中博士喝4.5牛奶吃蛋糕的段落甚至还能连续翻番，观众们都在猜测和预期最后一次的蛋糕藏在了哪里。但在《CITY》中配角团的出现几乎都是灾难或者是本作强电波属性的根源，回家部2人组的戏份十分乏味，因为我坐在影院后排位置可以看到这两人出现的部分玩手机看表的人最多，也是全场氛围最冷的时候。她们的出现既没有调节作品整体喜剧节奏，也没有起到丰富世界观和主角团人物形象的作用，反而迅速破坏掉主角团营造的喜剧节奏与氛围，让观众在下一个段落入戏更难。而编辑部2人组则拉高了电波性，用deadline作为线索进而用来“预期违背”，观众能理解这样做的原因，但很难感觉有趣。
四、 疑似演出过度&浪费
我其实一直认为演出过度这词有点矛盾，通常都是演出效果越漂亮戏就越好看，怎么可能演出效果好反而成了掣肘呢？但《CITY》好像真有这个问题，从根源上来说应该是弱文本或者是打折扣的喜剧效果让技术力高超的精细美术背景没有引起观众的惊艳感。因为观众对于这样一部无厘头喜剧的基础预期和主要注意力都在能不能让我笑这件事上，如果这个基础预期没有达到，那么技术层面上做的再优秀也很难收到应有的效果。而《日常》很明显是文本与演出相辅相成，达到预期内甚至更好的喜剧效果，在这里就不举例了，因为太多了
另外不对照《日常》说一个有些拉胯的小段落，就是交代新仓（丰崎爱生配的音）认识南云美鸟的部分有些太长了，让喜剧节奏掉了下来，功能性过强也破坏了单集的观感。
当然，容我叠一下甲，毕竟这也只是前3集而且在影院连续看3集TV这个行为也不符合TV单集本身结构设计的初衷。况且国内观众很多看的是弹幕版，这会加强观众之间的参与感与单个包袱的效果。最后的整体评价与我的预期完全相反也说不定。
但是，我理解的作品的高评分与高排名其实本质上是平台观众的最大公约数，任何作品肯定都有两极评价的观众。而电波属性强这件事本身就会拉低这个最大公约数，从短评区几条同样看过点映的观众的评价来看，也基本上同意电波性强这一点。所以当总榜排名的数字出来之后，可能不如我在看完PV时的预期。这里还有一个变量就是参与点映的观众人物画像与大基数观众的人物画像的出入，来报名看点映的几乎都是对京阿尼有滤镜、看过并且很喜欢《日常》动画/原作的人，而主流观众哪怕属性一致在程度上可能也不同，所以届时观众的主流评价大概率也会跟点映观众的评价不同，也属正常现象。唉，说来说去还是希望你京这波能搞波大的让观众大吹特吹一下的，嘿嘿嘿。如上也只代表个人观点和我对武汉场的观众的临场反应观察，不同地域的笑点不同也说不定呢，对吧~
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先不论那种《咒术回战2》式竭尽全力压榨媒介试图达到“无限”（于是注定只能成为一种噱头，其实跟“找找看”图画书和除了彩蛋什么都不剩的漫威电影没有两样，当然违反媒介的线性本质对于动画来说也许反而能生成更高的讨论热度）的错误价值取向，也不论铺天盖地的便利店配色；这部动画选择在第五集就出现的东西，只能说呈现为了几乎邪恶、歇斯底里的狂欢（因其“萌”而更加有毒），并且只能表明一种近乎精神分裂式的本体论：
《小城》不断地在告诉我们：
在《小城》中，任何事物都可能有眼睛，哪怕是最小的钥匙挂坠也是如此。“槌子蛇”难道不就是一种有了眼睛的物吗？但它总是大张旗鼓地强调眼睛。《日常》总是有一种关于物的本性的坚定（这里甚至有一种文化属性），重要的是事物“出现”；我们只需要看第一集里砸到祐子头上的东西——木芥子（こけし，起源于江户时代的手工艺品）、红牛（赤べこ，意义不明的乡土玩具）、鲑鱼（就是生鲑鱼）——还有后面常常出现的佛像，其中不乏“有眼睛”的事物，但这些眼睛有一种物的庄严（甚至是因其不被强调而如此），并不是吸引感情的拟人……虽然，《小城》中这些事物与其说是真正的拟人，不如说是作品强迫症式地将触手伸向它们，一番改装之后它们——因其眼睛的存在——便成为了一种萌点的收发器，我们可以想象之后会售卖这些东西的周边。
整个田边家和双塔具有一种定格动画的材质，这清晰地把它与其它事物隔开。通过这样一个裂痕，这样一个精神分裂的中心，这部作品早在第五集就迫不及待地孔雀开屏，展示着它那种（在之前已然显露的）怪异的执迷。
有友邻将《小城》的这些方面解读为对历史之昏暗（京阿尼大火，9/11）的一种反应。不论这是否牵强——但它确实体现着一些“病症”——我们也许至少还应该想到《幸运星》的存在，因为尽管画风天真，实际上后者也可以说是发生在一个出于某种原因昏暗的世界里，发生在沙漠般的图景中。但《幸运星》的人物们仍然有一种奇怪的坚定，不是在妥协得来的一隅之地而是在“一间自己的房间”（我们想到那个关着门的卡拉OK包间），那给予着我们对于解放的信心，而这也是我们想在《小城》里看到的。
存一下《CITY》官方X发布的石立导演Q&A。
（不是全部都翻了，只挑了一些自己感兴趣的。）
地址：https://x.com/city_anime_infon
Q：制作时是怎样实现人物轮廓线的粗细变化的？
A：最主要的想法是将原作漫画的线条的感觉还原出来。还有就是，由漫画改编的动画容易产生“线条的标准化”的问题，为了解决这一点，在正式开始制作前，我们对线条的画法进行了各种试验。在制作动画的过程中，赋予线条一定的变化并控制这种变化是相当困难的，为了实现这一点，负责人设的德山和美术监督山崎反复试验了不同粗细的线条的效果，既考虑了全系列共通的设定，也通过让作画人员使用不同的画材（铅笔、较粗的钢笔等等）来对线条的变化进行控制。
nnQ：《CITY》动画化时面临的最大的课题是什么？
A：要做成与《日常》不同的作品。我觉得《日常》的时间线比《CITY》更清晰，故事发生的顺序也更好懂，只是其中的一些小章节造成了混乱的效果。但是《CITY》中并没有这种小章节，只是按顺序将不同的故事罗列了出来，故事之间并不连贯，所以可以说是故事和故事的不断积累创造出了混乱。正如标题所展示的，“CITY”这条街道本身就是故事的主人公，我们想让观众在看着这幅街道的点彩画（*）的同时，从更广阔的层面上感受这条街道（作品）的魅力。
* 石立导演将《CITY》的故事的构成形式描述为点彩画，我非常喜欢这个形容。点彩画在靠近看时只能看到一个个小圆点组成的马赛克一样的图案，稍微离远一点才能看到所绘之物的轮廓、形状、色彩。不仅如此，近看时看到的颜色和远看时看到的颜色也有不同，这是因为两个相邻的颜色在视网膜上被混合成了新的颜色。点彩画的魅力正在于此，随着观看者的位置的变化，事物的分解、离散、聚合在眼前不断地交替发生，整体和部分的关系随时都在改变，相邻事物之间的关系随着观察视点的变化而变化。这也像是《CITY》给我的感觉，只看着一个故事也很有趣，但在看过其他故事之后，有趣的故事会变得有那么一点哀伤，而本来很悲伤的离别，在其他故事的插科打诨之下，似乎又变得充满了希望。
nnQ：为什么将片尾曲做成毛毡定格动画的形式？
A：片尾曲做成毛绒玩具的定格动画是为了表明这部作品的登场人物并不仅仅是人类，在“CITY”这条街道上生活的所有事物都是故事的主人公。另外，这些角色基本都是以一个从身体斜后方看过去的角度出场的，这是为了给观众留下一些不舍、落寞的感觉。
nnQ：第5话后半像监控画面一样的演出是如何实现的？
A：在制作参考资料时，我们将同时发生的事件按照时间线进行了排列。我把资料交给负责演出的工作人员（*太田稔）时，曾说不需要把所有事件都做出来，但分镜完成之后发现所有事件都按照时间线顺序表现了出来，我吓了一跳。不过我觉得这样做很符合本作品“让人看得开心”的概念，所以就直接采用了。
nnQ：每一集都是由几个不同的故事构成的合集（*omnibus），每一集包含的故事数量不同，长短也不一样，请问在构成和演出上有什么特别注意的地方吗？
A：主要是想在“从夏天开始到夏天结束”这条时间线上，尽量快速地将主要角色以故事的形式介绍给大家，尽量在第5话塔的故事之前，让大部分角色都出场。本作品最有魅力的地方就是角色之间的关系，所以我想尽快将这些人际关系都展现出来。怎样让观众意识到“街道”的存在也很重要，街道虽然看上去都一样，但其实有很多不同，既有复杂地交织在一起的小路，也有主干道，角色也好故事构成也好，都参与形成了“街道”的这一结构。
nnQ：哪一集最有挑战性？
A：我觉得是第13话的音乐剧，从音乐到段子，能不能成功取决于我、新井老师、音乐家之间的交流是否顺利。在制作第1话之前我们就已经开始挑战音乐剧的制作了，可以说从本作品正式启动的时候开始，我就一直以最终回的音乐剧为目标，在制作上花了相当多的时间。
nnQ：由于在配音时画面就已经完成了，所以某种程度上工作人员在作画时就已经预见到了声优们会怎么演，但在实际听到配音后，导演有没有感到意外的时候呢？
A：相当多，新仓（丰崎爱生）自然不用说，子安（武人）先生饰演的魔术师摔了个屁股蹲儿的时候发出的“Bu”的声音，安达太良博士在赛跑时说的“从此刻起，新的故事开始了”等等，全都是他的即兴发挥，非常适合，完全就是现代的威廉·退尔。丰崎一人分饰五个恶魔也很厉害，一次就录完了。还有鬼鱼糕老师、立涌、茉莉、悦理，只能说真的太谢谢大家了！
nnQ：要把原作那么多的故事浓缩成13集的份量，想必有很多内容不得不删掉，请问删减的标准是什么？
A：基本上要保证所有角色都有出场，还有就是为了将南云在第1话说的“既然要做，那就要做最有趣的事”和第13话说的“其实每天都挺有趣的”连接起来，尽量让故事富于变化。茉莉和悦理的故事是唯一一个有完整的起承转合的故事，所以基本上每一话都会讲到一些，这样就能保持连贯性。另外在最初讨论剧本时，大概邀请了10几位参加者投票选出自己喜欢的故事，人气较低的故事就作为候补。总之重点是要让观众回过头来看时能从整体上感受到“街道”。
nnQ：《CITY》中负责分镜和演出的人员既有老手也有新手，观众在观看时总是满头问号，请问导演个人有没有觉得“这想法也太乱来了”的时候呢？
A：回过头想想，本作品最厉害的演出家果然还是原作者吧。每一次讨论剧本时，新井老师都在场，他的sense实在是太好了。田边家的款待、双塔的由来都是老师自己想出来的，实在是太有意思了，我们动画人最重要的职责就是把老师的sense用动态画面表现出来。还有就是我们公司的年轻演出家宫城（良）负责的第9集“第4届小城赛跑”中，那个到达终点前的长镜头是他花了大力气做出来的，非常值得一看。
nnQ：在将新井world动画化时，最重要的是什么？
A：在表现新井world时，我觉得最重要的是让人觉得“开心”“可爱”，还有就是原作中迸发的智慧。我自己也是新井老师的粉丝，所以我想把我感受到的魅力直接传达给观众。我个人觉得最困难的地方在于节奏。
8.9/10n·尽管与日常同作者、同制作公司，但本作却是朝向与日常完全不同的方向疾驰。日常所做的，是将叙事彻底切碎，塑造一种反传统、后现代的观影体验，但如果带着跟日常一样的期待来看这部CITY，或许会感到落差。尽管本作不乏与日常相似的夸张表现手法，但整体上看，CITY的叙事却是完完全全传统的，部分笑点的铺垫简直如楚原《七十二家房客》时期的香港喜剧一般，娓娓道来，且与剧情、角色绑定紧密，比不上许冠文喜剧那般直接、突然，更别提同样后现代的周星驰了。n·可尽管叙事传统，但CITY真正的目的，却并不是将自己局限于“贩卖”其中的任何一位角色或一段情节，而是跟雅克塔蒂的《玩乐时间》一样，向观众兜售一整个趣味的舞台（或曰箱庭）。因此，它注定不能像日常那样彻底放飞自我，毕竟，这个精巧的舞台不能被毁坏（除了最后一刻所有人被“炸”飞上天）。n·第五集无疑是整部作品的灵魂/题眼，当然我说的不是分屏，分屏是一个有趣但并没有那么精妙的手法，京阿尼毕竟还是要在考虑观众信息接收能力上下功夫的。本集最伟大的两个时刻，是南云打开门后，涌动的泡泡最终汇聚成一整张会动的漫画时，以及ed如画卷般展开的小城的历史。这两处，都将观众从对具体角色、情节的特写上向后拉，拉到一个宏观的、俯视的、移轴镜头般的视角上，欣赏这一切。这，就是创作者在提醒观众的，欣赏这部作品最合适的视角，欣赏这个将一切温柔包裹其中的美妙的舞台。n·当然，抛开一切对手法的理性赞赏，茉莉和悦理也会是我未来也难以忘记的一对角色了。（某方面看，她们俩，其实，不就是这座小城的人格化化身嘛）
《city》并非大众期待的《日常》精神续作，它没有后者那种带速度线、张力十足的夸张动作表演，没有密集的幽默笑点，也没有看似粗犷却精致的人设。作为同作者、同公司、同题材的动画，它本可借鉴过往成功经验，复刻一部让粉丝满意的“诚意之作”，最终却成了夏季六十多部番里的平庸一员——若不是身上的亮眼标签，甚至不会被人注意。而从第一集到最后一集，这类评价始终存在，仿佛坐实了它的“平庸”——但事实果真如此吗？
有记者曾问诺兰，是否有哪部作品让他反复重看。诺兰回答，自己本不喜欢歌舞片，却把《爱乐之城》看了三遍：“我想再看一遍，确认它是否如我想象中那么好，结果证明确实如此。”在《city》完结之际，我也像诺兰一样重看了一遍，得出的答案却是：它比我之前想象的还要好。
接下来，我想从画面、声音、剪辑、故事四个维度，讲讲《city》为何是一部好作品。作为“动起来的画”，我们先从美术风格说起。本作核心主创、监督石立太一采用了极为平面化的美术风格，这种风格足够“新颖”，与京都动画以往的厚涂风格形成了完全相反的艺术效果。
比如《凉宫春日的忧郁》，其人物与背景的美术风格差异明显：人物勾线清晰明确，与背景完全区分开，且人物阴影的特定区域十分突出；而背景的阴影色调更柔和，多通过颜色深浅渐变呈现，房间与物体的界限也更模糊。这种设计的好处是能突出角色在画面中的存在感，且京都动画的作品一直沿用这种风格。
平面化与厚涂在动画表现上各有优势，且平涂对原画师的能力要求更高——流畅的线条是这种美术风格的根基。这让人联想到吉卜力二老后期的动画探索方向，而《city》的不少视听语言，正是吸收了高田勋《我的邻居山田君》的特点，这一点后续会详细说明。
额外提一句，东京都市圈内的动画公司大多只专注单一作品，原因在于制作人员流动大，作品风格完全取决于监督个人，导致同公司前后两部作品风格截然不同。而京都动画因人员构成稳定，制作的动画风格一脉相承，但弊端也随之而来：部分创作欲强烈的作者不愿留在京都，反复复刻过往的成功经验（不过需要说明，这些出走人员后续创作的作品，并不比他们在京都时制作的动画更出色）。
但石立监督在京都原有的制作规范下做出了改变，比如前面提到的美术风格革新。写实化的背景需要严谨的透视，才能突出画面纵深、增加立体视角体验。在《city》中，人物与背景采用了相同的画法，都是线条分明的结构；人物阴影也不再是以往的硬朗风格，与背景阴影的色差完全一致，上色同样采用平涂，与京都以往的厚涂风格彻底相反。
由于人物与背景风格统一，为了区分二者，制作团队特意加深了人物边缘的黑线——这种手法与同期的《吊带袜天使》相同，尤其是后者作为续作，与第一部相比也加粗了人物边缘线，可见优秀创作者的思路往往相通。不过《city》的风格更具日本漫画感，人物阴影用虚线表示，“漫画感”极强；同时，前文提到的写实背景本应带来的景深也并未体现，但也正因没有景深，京都系监督常用的“靠强烈焦段变化表现人物情感”的手法消失了，换句话说，作品少了“电影感”。
但石立监督大胆放弃了这一沿用多年的“绝活”，让《city》成为了“唯有动画这一形式才能呈现”的作品。这种极致还原漫画风格的做法，在第五集彻底爆发，也证明了动画这一表现形式的独特魅力。
至此在画面上，石立监督以大道至简的方式向世界宣告了新时代的京都依旧处于业界前列。
相较于美术风格的创新，《city》在声优选用上更偏向“稳妥”——以老将为主。除了续作的因素外，京都动画以往常在新作中启用新人担任主役，且新人声优的演绎风格，基本会贴合其前期最适配的角色类型。这次选择老将，或许是监督为作品“上保险”：若新风格不被接受，还能靠声优的演技转移观众注意力。但即便如此，声优表现仍有惊喜，那就是石川由衣的突破。此前京都动画在《紫罗兰永恒花园》中选用石川由衣，正是看中她对“三笠”一角的精彩演绎；而这次在《city》中，她彻底打破了以往的角色局限，弥补了“作为京都主役声优却没有新角色方向”的遗憾。她为角色泉和子配的“爽朗笑声”充满力量，仿佛要把过去因角色特性而未能释放的情感全部宣泄出来。
oOP与ED则传递出“与亲友共度过去、现在、未来”的情感，二者都紧扣《city》的创作理念——“虽寂寥却温暖，认真度过每一天的珍贵之处”。配乐的选择则更显“剑走偏锋”：作品本身带有强烈的波普艺术风格，本应搭配与之契合的流行音乐，但音乐组合“Piranians”却走了相反路线。
这支组合曾表示“自己在动画业界只是新人，完全不懂行，有问题尽管提”，却在制作中“背刺”了对他们完全信任、放权的石立监督——他们创作的配乐风格内敛雅致，以至于石立监督直到第一集混音时仍十分担忧：这种风格真的能和波普画风契合吗？但实际上，这种反套路的配乐选择并非单纯的“错位”，而是通过旋律为观众建立起一层“情感隔离带”：当正片画面中，波普艺术的浓烈色彩与快节奏画面冲击视觉时，轻柔的鼓点、温暖的钢琴和声，再配上悠扬的口风琴声，能瞬间将观众从强烈的视觉刺激中拉回，重新沉浸到角色间细腻的情感联结中。在这种音色的加持下，《city》不仅被赋予了知性与品格，还弥补了平涂风格在纵深感上的不足，甚至实现了超越现实画面的纵深效果，形成了堪称“伟大”的化学反应。
当谢尔盖·爱森斯坦将蒙太奇从一种手法引申到戏剧，再实践于电影后，电影才真正拥有了感染人心的魔力。而剪辑作为对剧本的二次演绎，是影片中最重要、也最能体现导演天赋的环节。石立太一从出道至今，一直饱受争议——不少人认为，他本是出色的原画师，却非要当一名平庸的导演，“太子”这一称呼，也从最初的满心期待，渐渐多了几分嘲讽。但我想说，“太子”并非平庸之辈。所谓成功的剪辑，无非是塑造叙事逻辑、引导观众情绪、提升内容质感，而石立监督完美完成了这三项任务。动画开头，从神鸟神话讲到小城人物，先是无厘头的旁白，再是画面中十余种色彩的快速变化，最后通过一段炫技般的长镜头，让本作所有角色集体亮相——整个过程仅用了一分钟。
随后，画风一转，舒缓美好的小镇生活OP登场。不同于以往观众对“神作OP”的期待——靠风格化、高张数堆积的炸裂画面展现作品风格，《city》的OP显得有些“不合时宜”。但结合后续七个片段的故事就能明白，这是监督为调节观众情绪特意设计的：动画中的高潮往往只有15分钟，而二十分钟内包含七个片段，意味着观众要反复经历七次“起承转合”，大脑需不断处理动态影像、复杂剧情与丰富角色，很容易产生疲惫感。因此，监督特意降低OP/ED的“精彩程度”，用舒缓风格为观众提供放松间隔，足见其细心与在动画业界深耕多年的经验。
回到具体情节，还能发现石立监督偏爱的剪辑方式——“动作顺接”。这虽是剪辑基础，但与真人电影、漫画相比仍有差异：真人电影受限于空间，需要在有限范围内摆放多台摄像机；漫画则喜欢用一个个分镜框，将角色“困”在画面中。而动画没有这些限制，比如某个“从俯视到仰视”的镜头：通过视角转化增加画面纵深，为后续“角色将物品投掷到另一个房间”的动作增强力度，既突出了角色的疼痛程度，又将其转化为笑果。这种分镜是动画独有的，也能看出，相较于那些擅长借鉴电影的“影迷监督”，石立太一的创作灵感，更多来自自身高超画技带来的“动画师视角”。
之中；
日本动画业界有两个重要流派：以宫崎骏为代表的“动画师”监督，他们从原画师起步，最终成为监督，擅长挖掘手绘动画的独特魅力，致力于探索实拍无法触及的领域；另一派是以高田勋为代表的“电影”监督，他们来自不同岗位（比如高田勋作为动画监督，甚至不会画画），却拥有类似电影“科班”的知识储备，专注于探索动画与实拍的结合。前文提到，这两位大师后期的创作风格逐渐分歧，而《city》在画面风格与幻想桥段上借鉴了《我的邻居山田君》，甚至呈现出那种“无线条边境的留白艺术”；但同时，石立监督本身是“动画师”出身，因此在具体演出上，《city》又兼具了“动画师监督”的特点。
在动画社区里，争论一部作品“好不好”，本质上往往是“我喜不喜欢”的自说自话——有人纠结角色人设，有人执着剧情逻辑，最终都落脚到“这个剧本没戳中我”或“刚好符合我的偏好”。所以，做一部“好评作品”其实很简单：避开敏感内容、降智反转等容易引发普遍不满的“雷点”，用套路化的日常互动、角色关系填充剧情，就像给观众递上一杯温白开水，安全无刺激，自然很难招来差评。
但做一部“好作品”，难就难在它偏要跳出这层“安全区”。它不会为了讨好所有人，就磨平故事的棱角——可能让主角带着明显的性格缺陷，比如《凉宫春日的忧郁》里团长的“蛮横”，不完美却鲜活；也可能在温情里藏着扎人的现实，像《东京教父》用流浪汉的视角讲圣诞故事，没有刻意美化底层生活，却让善意更有重量。 但做一部“好作品”，难就难在它偏要跳出这层“安全区”。它不会为了讨好所有人而磨平故事的棱角——可能让主角带着明显的性格缺陷，比如《凉宫春日的忧郁》里团长的“蛮横”，不完美却鲜活；也可能在温情中藏着现实的“刺痛感”，像《东京教父》用流浪汉的视角讲述圣诞故事，没有刻意美化底层生活，却让善意更有分量。更难的是，“好作品”要在“好看”之外，留下能让人反复琢磨的余味。不是看完就忘的爽感，而是某个镜头、某句台词，会在几天后突然击中你——比如《你的名字。》里跨越时空的寻人，表面是奇幻爱情，内核却是对“错过”与“联结”的细腻表达，让不同观众都能从中看到自己的影子。这种能穿透个人偏好、触达共通情感的力量，才是好作品真正的门槛。那么，《city》做到了吗？
正如前文所说，《city》能兼具两种流派的特点，并非石立监督创造了新的视听语言，而是他与本作第二核心、脚本负责人新井老师充分交流后，找到的最佳平衡。与《日常》相比，《city》的节奏确实慢了很多，笑点也减少了对文化的恶搞；取而代之的是，通过塑造更夸张的角色、设计更脱线的行为，在“舞台大乱斗”式的日常中，一点点丰满角色性格，再借助“塔”“赛跑比赛”等大事件，将所有角色串联起来，最终汇聚成强烈的“爽点”。
要理解两部作品的差异，就必须了解新井老师创作《city》漫画的动机。新井老师曾坦言：“当时，我作为漫画家的生活疲惫不堪，结束《日常》连载后，还一直在纠结是否要转型做插画家或小说家。但我心里对漫画的热爱还没熄灭，心想反正都这样了，不如彻底燃烧殆尽，于是开始了《city》的周刊连载。这是新井老师在创作力低谷、陷入迷茫时，决心“放手一搏”的复出之作。而《city》的故事也如作者的决心一般，跳出了《日常》的“校园箱庭世界”——突破校园局限，用更大的舞台讲述日常故事。这种想法，其实与《日常》下半部分的ED一脉相承：ED中，学生走出校园，日常角色们伴着背景里的校歌，在小镇中行走、交谈。
这种突破具有重要意义：在2010年代之前，几乎所有校园题材动画都将“校园”与外界隔离，校园是一个完全封闭的环境，创作者可以自由搭配各种爱好，让所有日本观众向往的事件，都在这个绝对安全的空间里发生。而京都动画的创作者眼光独到，在日本就业冰河期过后、就业市场逐渐回暖时，敏锐地捕捉到文艺作品的变化：纯日常作品的背景开始“走出校园”这个“安全温暖的房间”，大家纷纷跳出“乌托邦”，用探索的视角寻找更多可能性。
比如某部作品的主角被设定为逃学女高中生，主角团彻底摒弃校园，熙熙攘攘的东京成为他们的舞台。这不仅反映出观众对校园作品的厌倦，更体现出创作者希望“城市”能像过去的校园一样，为人们提供生活的能量。京都动画与新井老师，始终站在时代前沿，作为创作者，他们从未停下思考的脚步——尤其是石立太一带领这支由新生代组成的京都团队打造《city》时，这份坚持更显珍贵。
曾几何时，京都动画与新井老师都深陷人生低谷，是彼此的扶持让他们走出了困境，而串联起这份羁绊的，正是《city》。如今，京都动画已恢复“一年双开”的制作节奏，新井老师也重启了《日常》与《city》的连载，属于他们的故事其实从未落幕。
人与人之间的联结，就像散落在夜空中、时隐时现的星辰——彼此独立、遥不可及，却在不知不觉中以“光”为桥，在某个不期而遇的时刻，便会像久别重逢的朋友一般，即便多年未见，也能知晓对方的一切。日常仍在延续，奇迹亦是如此——它像星辰一样始终闪耀，只是太过微小，容易被迷雾遮挡，直到某天被人偶然发现，才惊觉：原来惊喜就在那里。
先上图证明一下自己去了武汉的点映场
得知b站搞点映场之前，我几乎无法抑制住自己的期望值。因为从客观上来讲，距今时间最近的京都做的冒尖儿的片子甚至要追溯到18年的《利兹与青鸟》，如果只算TV的话，应该是16年的京吹2。作为一名对京都动画有偏爱的观众，还是特别希望在大事故之后能有一部提气的片子出现。而且这个题材与原作表现形式非常容易冲高，甚至夸张点说，这可能是近5-10年京都冲高分段最佳机会。结合PV 1-2与爆出staff阵容，感觉非常的稳。《日常》原作者新井圭一的同世界观作品，PV中的画风清新，“CITY上河图”细节爆炸，《日常》味道也很正，OP副歌也非常好听。又有评论区大佬看了可能是全球首映的先行版做背书，我几乎提前开了香槟，but。。。
在做对照评论之前，先说一下观众反应。全场人没坐满，3集当中，第一集场子很冷，到第二集开始才有相对积极的笑声反馈，第三集则更好一点。中途来来回回进出好几拨人，在最后排进出的观众甚至挡住了放映机一小半的光影，非常的抽象，有些影响观感。但因为正片部分细节满满、演出效果极强、好听的OP及出色的声音设计，对观众来说，能用电影院的设备观看这些已经是非常大的幸运和非常难得的机会了，也基于同样的原因我认为有必要写些什么记录一下。（PS：而且这还是在完全有版权的前提下，说一个有意思的事，在第一集打翻炒面的部分，有45秒左右因为版权问题全场看默剧，真的是惊到了全场观众，大家都在试图理解发生了什么，但其实那段的画面呈现的效果很好，可惜没有音效匹配画面再加上全场观众在走神理解状况，让一个包袱砸了有点可惜）
不对照《日常》，先说一些前三集我很喜欢的点。有几个现场观众反应很积极和我个人都很喜欢的小段，包括走马灯/扮鬼脸/藏宝图/天使与魔鬼，它们都在“预期违背”上做的很好，第二集末尾和第三集开头的包袱连着响，人物与情景假设逐渐立了起来。“天使与魔鬼”的部分甚至还有博士客串，有一种安心的熟悉感。好几处用来提升演出效果的强对比分镜头的插入起到了效果翻倍的结果。OP中即将进入副歌的画面是用干净的水滴引入小城风光同时开始呈现作品发生的主要场景及世界观，外加上好听的旋律是让人有些欲罢不能的感觉的，很想再听再看几遍。但下面的对照旨在说明为什么我预期《CITY》可能大概率不会成为像《日常》一样的高分TOP级作品，也说一下头3集中存在的一些遗憾
一、 OP ED对照
对于一部佳片甚至是神片来说，风格化或者高水准/高经费的OP ED几乎是标配。而对于《CITY》这种以无厘头搞笑作为卖点的作品来说，能更好表现作品风格的风格化OP ED影像可能是最优解，但当我看完OP画面之后心里就咯噔一下，副歌部分的画面是主角团三人背对着观众面向小镇居民和商业街牌匾跳舞，既看不出风格也看不太出多少拍案叫绝的炫技，总之就是。。有些平。。ED画面有些羊毛毡定格动画的感觉，吉祥物出场可可爱爱的。对照《日常》，可能《日常》的OP ED更大众化更好理解一些，OP采用了让人印象深刻的对称结构，镜头迅速拉近并让角色作出符合角色特质的行动。画面和OP歌词也在时刻提醒观众作品类型也方便观众入戏进而进入情景假设中。ED是舒缓的舞台剧风格，是常用的一种ED画面呈现方式，让观众感觉到像舞台剧一样夸张的戏已经落幕，暂告一段落的感觉。
二、 单集单元剧的编排结构
在《日常》第二集中，主角团3人组玩上楼梯的格力高游戏，麻衣用一句咒语取胜。在本集中段还有这句咒语的call back。而贯穿第三集的街道固定机位拍摄与模糊化处理，在时间和逻辑上是连续的，只是每个小段单元剧把它们打散分散在了单集的各处，单拎出来可能看起来有些电波意识流但连在一起就是一个很棒的喜剧结构，角色行动符合前面铺垫的性格，同时也引出并抖响了黑猫土下座这个包袱。这样以集为单位的喜剧结构在《CITY》前三集中并没有，段落之间孤立存在，这会使观众在一个意识流段落摸不到头脑后很难快速进入下一个情景假设，而call back或者逻辑连续的过场会让观众迅速抽离上一场景、格式化大脑，从而不影响后面的喜剧呈现。
三、 主角团及配角团相关段落的设计
《日常》中是主角3人组和博士+机器人的设置，而《CITY》则是主角3人组+回家部2人组+编辑部2人组的设置。主角团负责整大活逗观众笑是理所当然，而配角团更多的作用在于调节作品整体喜剧节奏、丰富世界观和主角团人物形象。但作为无厘头喜剧的配角团，起码不能太乏味。博士+机器人的有些活儿甚至比主角团还多，《日常》第三集中博士喝4.5牛奶吃蛋糕的段落甚至还能连续翻番，观众们都在猜测和预期最后一次的蛋糕藏在了哪里。但在《CITY》中配角团的出现几乎都是灾难或者是本作强电波属性的根源，回家部2人组的戏份十分乏味，因为我坐在影院后排位置可以看到这两人出现的部分玩手机看表的人最多，也是全场氛围最冷的时候。她们的出现既没有调节作品整体喜剧节奏，也没有起到丰富世界观和主角团人物形象的作用，反而迅速破坏掉主角团营造的喜剧节奏与氛围，让观众在下一个段落入戏更难。而编辑部2人组则拉高了电波性，用deadline作为线索进而用来“预期违背”，观众能理解这样做的原因，但很难感觉有趣。
四、 疑似演出过度&浪费
我其实一直认为演出过度这词有点矛盾，通常都是演出效果越漂亮戏就越好看，怎么可能演出效果好反而成了掣肘呢？但《CITY》好像真有这个问题，从根源上来说应该是弱文本或者是打折扣的喜剧效果让技术力高超的精细美术背景没有引起观众的惊艳感。因为观众对于这样一部无厘头喜剧的基础预期和主要注意力都在能不能让我笑这件事上，如果这个基础预期没有达到，那么技术层面上做的再优秀也很难收到应有的效果。而《日常》很明显是文本与演出相辅相成，达到预期内甚至更好的喜剧效果，在这里就不举例了，因为太多了
另外不对照《日常》说一个有些拉胯的小段落，就是交代新仓（丰崎爱生配的音）认识南云美鸟的部分有些太长了，让喜剧节奏掉了下来，功能性过强也破坏了单集的观感。
当然，容我叠一下甲，毕竟这也只是前3集而且在影院连续看3集TV这个行为也不符合TV单集本身结构设计的初衷。况且国内观众很多看的是弹幕版，这会加强观众之间的参与感与单个包袱的效果。最后的整体评价与我的预期完全相反也说不定。
但是，我理解的作品的高评分与高排名其实本质上是平台观众的最大公约数，任何作品肯定都有两极评价的观众。而电波属性强这件事本身就会拉低这个最大公约数，从短评区几条同样看过点映的观众的评价来看，也基本上同意电波性强这一点。所以当总榜排名的数字出来之后，可能不如我在看完PV时的预期。这里还有一个变量就是参与点映的观众人物画像与大基数观众的人物画像的出入，来报名看点映的几乎都是对京阿尼有滤镜、看过并且很喜欢《日常》动画/原作的人，而主流观众哪怕属性一致在程度上可能也不同，所以届时观众的主流评价大概率也会跟点映观众的评价不同，也属正常现象。唉，说来说去还是希望你京这波能搞波大的让观众大吹特吹一下的，嘿嘿嘿。如上也只代表个人观点和我对武汉场的观众的临场反应观察，不同地域的笑点不同也说不定呢，对吧~